Die Fotografien von Walker Evans erzählen die Geschichte des amerikanischen Arbeiterlebens mit einer genauen
Offenheit, die für seine Zeit wahrhaft revolutionär war. Sein ikonisches Porträt von Allie Mae Burroughs – einer Farmersfrau und Mutter von vier Kindern – deren unvergessliche Augen durch uns hindurchzustarren scheinen, ist eines der wichtigsten Bilder im amerikanischen Bewusstsein. Evans, ein Mitarbeiter der Magazine Fortune und Time, erreichte gegen Ende der Weltwirtschaftskrise tatsächlich den Höhepunkt seiner Macht. Er ging tief in die amerikanische literarische Tradition ein und ging in seiner Weigerung, die Armut zu romantisieren, weiter als andere. Während sie wie Protagonisten aus amerikanischen Realismus-Romanen aussehen könnten (zum Beispiel von William Faulkner oder John Steinbeck), sind seine Männer und Frauen echte Menschen, mehr verewigt, weil es mehr Zeit braucht, ein Buch zu lesen, als ein Foto zu sehen. Weithin anerkannt als einer der größten Fotografen seiner Zeit, definierte Evans offensichtlicher Umgang mit Porträt und Dokumentarfilm diese Genres für nachfolgende Generationen neu und prägte, wie sich eine Nation an sich selbst erinnert.
Ein großartiges Beispiel für die Verbindung zwischen Kunst und Literatur im 20. Jahrhundert, ist das Ernest Hemingway Evans frühen Stil prägte. Die beiden wurden in Kuba zu Trinkkumpanen, und die schmucklose Einfachheit von Evans’ Fotografien verdankt Hemingways knapper, direkter Prosa sehr viel.
Evans war körperlich schmächtig, ein Vorteil, der es ihm ermöglichte, Fotos zu machen, bevor ihn jemand bemerkte. Er war auch so etwas wie ein technischer Zauberer, der als einer der ersten immer mehr tragbare Kameras und verkürzte Belichtungszeiten in der Serie der heimlichen Subway Porträts verwendete.
Visuelle, künstlerische und literarische Quellen prägten seine Ansichten über die Arbeitergesellschaft. Zu den wichtigsten Quellen gehörten die Maler des New Yorker Straßenlebens, von George Bellows bis Edward Hopper, und Dokumentarfotografen wie Jacob Riis und Lewis Hines. Vor allem der große Berenice Abbott, einer seiner treuesten Unterstützer, war für Evans ein wichtiger früher Prüfstein.
In Evans Zeit gab es im Wesentlichen zwei konkurrierende Philosophien der Fotografie: Dokumentarfilm vs. Piktorialist. Der Dokumentarfilm strebte danach, die Welt so darzustellen, wie sie war. Der Pictorialismus erzeugte eine selektive, transzendente Sicht der Welt, ähnlich der traditionellen westlichen Malerei. Evans Arbeit, eine Mischung dieser beiden Philosophien, brachte der Fotografie eine größere Nuance. Wie er es ausdrückte: “Was wirklich gut ist in der sogenannten dokumentarischen Annäherung an die Fotografie ist die Hinzufügung von Lyrik … produziert unbewusst und sogar unbeabsichtigt und zufällig durch den Kameramann.”
Seine Arbeit präsentiert ein starkes klassenbasiertes Dilemma. Evans wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und identifizierte sich nie mit den armen ländlichen Bauern, die er porträtierte. Neben der direkten Beobachtung stützte er sich für seine Einsichten stark auf literarische Quellen und schuf so eine Art Rückkopplungsschleife, die die Perspektive eines Außenstehenden verstärkte. Kritiker können sich immer noch nicht darauf einigen, ob seine Fotografien Empathie fördern oder die Distanz zu den Subjekten, deren Leben sich so sehr von seinen eigenen unterscheidet, verstärken. Die klinische Präzision von Evans ‘Arbeit wurde als kalt und gefühllos interpretiert. Zu seiner Verteidigung verstand Evans diese klassenbasierte Spannung, bevor andere sie aufgriffen. Versuche, es anzusprechen, sind in seinen Zitaten reichlich vorhanden.
